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解釈からの逃走 ~スーザン・ソンタグ著『反解釈』を手引きに~
ども、ペスです。 最近僕は現代美術に対して以前とは違う感情を抱くようになってきました。 以前(と言っても、つい1ヶ月程前までですが)は現代美術の展示には学芸員などの 美術に理解のある人の補助が必要だと言っていたし、実際そう思っていたのですが、 それは少し違うような気がしてきたのです。 その考えは最初、キュビズム以後を現代美術と呼ぶのが妥当と言えるのではない だろうか、という発想から始まりました。 キュビズムを現代美術の起源とする場合、それ以前とそれ以後の美術作品には明確な 違いが見られます。 キュビズム以前の美術は理解度の差はあれど誰が見ても“容易に”楽しめるもの だったのに対して、キュビズム以降の美術は人々の理解からどんどん遠ざかっている、 ということです。 古典主義やマニエリスム、浪漫主義、印象派などの巨匠が生み出した人物画や風景画は 万人を魅了し、今もその効力を失っていません。 彼らの作品は今でも人気があり、展覧会を開けば比較的多くの人が美術館に集います。 一方で、キュビズム以降のフォーヴィズムやシュールレアリズム、ミニマリズムといった 美術作品は人々の注目を集めるどころか、名前さえ知られていないのが現状です。 それらを見に来るのは極一部のマニアックな人だけであり、今の時代の「ぶっ飛んだ」 美術作品においては、彼らすらも敬遠する傾向にある。 こうした現実を見ると、現代美術は(人々の)解釈から逃げているように見えてきます。 解釈から身をかわすために、芸術はパロディになることもあろう。 あるいは、抽象的になることもあろう。 あるいはまた装飾的になることもあろう。 さらにまた、解釈に完全な空振りをくらわせるために、芸術は非芸術になることも ありうる。 スーザン・ソンタグは『反解釈』の中でそう言っていますが、われわれが現代美術と 呼ぶものは、まさしく彼女の言葉そのままではないでしょうか。 ただ石を床に並べてみたり、ただハンカチを重ねてみたり、ただ身の回りのものを 箱の中に入れてみたり、ただキャンバスを黒く塗ってみたり・・・。 これらの美術作品には解釈の余地がありません。 もちろん、これらを“無理やり意味付けて”語ることは可能だし、そういうことを している人はネット上にもたくさんいますが、それは正しい芸術との接し方ではない、 むしろそれは芸術を安易なものにおとしめていると彼女は言います。 現代における解釈は、つきつめてみると、たいていの場合、芸術作品をあるがままに 放っておきたがらない俗物根性にすぎないことが分かる。 本物の芸術はわれわれの神経を不安にする力を持っている。 だから、芸術作品をその内容に切りつめた上で、それを解釈することによって、人は 芸術作品を飼いならす。 解釈は芸術を手におえるもの、気安いものにする。 そもそも知的態度で芸術と接すること自体が間違いである。 彼女はそう言うワケです。 では、われわれは現代美術(芸術)とどう接すればいいのか、という話になるワケですが、 それについては彼女のこんな発言が参考になるかもしれません。 いま重要なのは、われわれの感覚を取り戻すことだ。 われわれはもっと多くを見、もっと多くを聞き、もっと多くを感じるようにならなければ ならない。 われわれの仕事は、芸術作品のなかに最大限の内容を見つけ出すことではない。 ましてすでにそこにある以上の内容を作品からしぼり出すことではない。 われわれがなすべきことは、「もの」を見ることができるように、内容を切りつめること である。 芸術についてのあらゆる解説と議論は、芸術作品を――そしてひろげて言えば、われわれ 自身の経験を――われわれにとってもっと実在感のあるものとすることを目指すべき である。 これは簡単に言えば、芸術体験を大切にしなさい、ということです。 石が置いてあろうが、ハンカチが重ねてあろうが、ガラクタが並べてあろうが、 それを見て感じたものを知識ではなく経験として積み重ねなさい。 そして芸術に関わる者は、その経験を補助、つまり余計な解釈が起らないよう、 鑑賞者に働きかけなさない。 僕には彼女がこう言っているように思えます。 すなわち芸術、特に現代美術に対する補助とは「分かろうとしないこと」を鑑賞者に 教えてあげることであり、感性を理性の支配下に置かないことを警告してあげること なのです。 知識同様、経験も積み重ねなければ、その本来の効力を発揮しません。 一度美術作品を見ただけでは、その醍醐味は味わえないのです。 釣りだって、サッカーだって、読書だって、ゲームだって、続けているからこそ 見えてくる魅力があると思います。 続けなければ身に付かない技術もあるだろうし、続けているからこそ分かる感覚、 分かる嬉しさ、分かる悔しさなどがあるはずです。 1回目は何も分からなかったけど、3回目ぐらいからコツがつかめて、10回目に なる頃には人に教えられるぐらいになっている。 経験とはそういうものです。 だとしたら、彼女は単純なことしか言っていません。 いっぱい経験すれば体が勝手に覚える、そして経験は別のものへ昇華する。 それだけです。 芸術とはいっぱい体験するためのものであって、いっぱい学ぶためのものではない。 そして現代美術とは、今までにない新しい体験をするためのものである。 僕には彼女のそんな囁きが聞こえます。 ...more»
国立国際美術館「リアルジャパネスク」・「コレクション展」にて ~美術館のブランド化~
ども、ペスです。 少し前の記事で美術館の可能性について言及しましたが、 頭の中で考えたことだけを偉そうに語り続けるのもアレなので、 趣味と視察(?)を兼ねて取り敢えず手近な美術館の 比較的マイナーそうな展覧会を見て回ることにしました。 とか言いつつも、今のところ次に回る予定の美術館は決まっていません。 ただ美術館について何がしかを語ろうと思った場合、 実際に足を運んでいないと恐ろしく説得力が落ちるので、 僕が何かを語りたくなったら美術館に出掛ける、 というスタンスになりそうです(笑) まあ楽しければ何でもいいじゃないか、ということでお許し下さいませ。   さて、それでは早速本題に入っていきたいのですが、今回は大阪中之島にある 国立国際美術館に行ってきました。 ここは行く度に毎回「よくこんなに掘ったよな」という感想が頭に浮かびます。 入口はガラス張りの小さなシェルター(複雑な曲線美のポストモダン建築)のように なっているのですが、中に入るとホントに広い。 日本が戦時下になれば本当に防空壕として機能しそうな施設です。 ここは今年の春に草間彌生展が開かれて話題になりましたね。 僕もその企画展は見に行ったのですが、その内容についてはまた機会があれば、 ということで。   で、今そこで行われいるのが「リアルジャパネスク」「コレクション展」です。 実はもう1つ「柏原えつとむ」という方の企画展も同時に行われているのですが、 これは僕の解釈すら許さないような超越的な展示だったため、ここではノーコメントと させて下さい。   まずはコレクション展について。 これは20世紀初頭(パブロ・ピカソ、ポール・セザンヌ、マン・レイあたり)から 最近(奈良美智、高柳恵里、ミロスワフ・バウカあたり)の作品までを年代別に 紹介するという美術館では典型的な展示方法でした。 印象派、抽象表現主義、キュビズム、ミニマリズム、シュールレアリズム、 ポップアート、コンセプシャルアートなどが歴史の流れに沿って展示されています。 この展示方法自体は可もなく不可もないのですが、悪く言えば「古臭い」「無難過ぎる」 という感じでしょうか。 この手の展示では、ところどころに年代別の解説文があり、それを読めばザックリと 歴史の基本的な流れが把握できるようになっています。 ただ、この解説文は比較的美術のことを知っている人向けに作られており、 例えば「キュビズムって何?ミニマリズムって何?」というレベルの人には 何が書いてあるのかがさっぱり分からない。 もしかしたら「それすら知らない人は読む必要はない」というスタンスなのかも しれませんが、だとしたら逆にもっと“ツウな話”をした方が対象としている人たちは 喜ぶんじゃないかと思います。 いずれにしろ、どっちつかずの中途半端な内容であることは否めません。 一言で言えば、教科書のような解説になっている、ということです。 文体や表現は堅く、かといって内容が詰まっているワケでもない。 学芸員の解釈や意見が含まれている分だけ教科書よりかは 多少面白みもありますが、少なくとも僕は解説については 何一つ印象に残っていません。 そんな印象に残らない、覚えられてもいない解説なら、 無いのと変わらないのではないでしょうか。   個人的なアイデアとしては、よく大手CDショップにあるライナーノーツの ようなものを作品の横に展示すれば今よりよほど面白くなると思います。 それも学芸員的な視点ではなく一般人の視点で、例えばデュシャンの作品に対して 「ふざけているワケではありません、彼も必死だったんです」 とか書いておけば結構ウケるんじゃないかな、と。 ミニマルアートについても 「この絵と模様の違いって何なんでしょうね?」 と書いておけば、見に来た人にもっと興味を持ってもらえるかもしれません。 そういう素朴な視点というのがこの展示には、いや、美術館全般に足りないと 思いました。 もちろんこれは一般人を対象とした展示の場合ですけどね。   確かに美術館としての威厳は大事なのかもしれません。 実際に展示されている作品は歴史的意義の高いもので、あまりふざけたことは 許されない、という雰囲気もあると思います。 けれども、美術館の理念が啓蒙であるならば、威厳を守る一方で、 理解を促すということも大事なことなのではないでしょうか。 「アーティストは大衆に迎合してはならない」と、歴代のいろんなアーティストが 言っていますが、迎合するのではなく「取っ付きやすいものにすること」は別に 悪いことではないような気がするのです。 だってどんなアーティストも最初は多分「お絵描き」から始まったんですから。 だったら見る側も、最初は「お絵描き」的な視点なのは仕方のないことです。 最初にアニメやマンガの方を好むのは、ごく自然な流れと言えます。 ただ、本当に美術を大事に思う気持ちがあるのなら、そこから先に進む キッカケをできる限り多く与える方法を考えるべきだと思います。 美術に興味のない人は、好きになるキッカケがなかっただけなのです。 どれだけ美術に興味のない人でも、一度ぐらいは何かのノリで美術館に 入ったことはあると思います。 ピカソやムンク、ゴッホ、モネ、モディリアーニ、エッシャー・・・どれかは 分かりませんが、メジャーなアーティストの展覧会であれば誰であれ 足を運ぶことも少なくないはずです。 しかし残念なことに、その中のほとんどはそこから美術の魅力を感じることなく、 次のマイナーなアーティストの展覧会にまでわざわざ出かけようとは思いません。 絵を見ただけで魅力を感じ取れるというのは、それだけである種の才能なのです。 絵の力、絵の魅力だけに頼っていては美術ファンはまず増えません。 だからこそ、絵とそれを見る人の間に橋をかける努力が美術館には 必要なのではないかと思うワケです。 本当に美術のことを大事だと思っているのなら。   これに成功すれば多くの人から「あの美術館の展示は面白い」という評価を 得ることができます。 つまり、どんなマイナーな作品を展示しても美術館に来てもらえる、 ということです。 まさに美術館のブランド化。 この地位を今の美術館は目指すべきだと思います。 作品でお客を呼ぶのではなく、美術館そのものの魅力 (展示の仕方・作品の見せ方)でお客を呼ぶのです。 「あの美術館は展覧会をチェックせずに行ってもハズレが無い」 これが理想の美術館と言えるでしょう。 恐らく今までの美術館は展示物に頼り過ぎていたんだと思います。 珍しいものを、有名なものを、展示すれば勝手にお客は集まる。 そういう甘えが今のような衰退を招いたのです。 この試練を素直に受け入れることでしか、前には進めません。 お金は無くとも頭は何個もあるのですから、もっと知恵をしぼりましょう。 そして、もっと美術以外のことを知る努力をしましょう。 服屋はどうやって服を並べているのか。 本屋はどうやって本を並べているのか。 スーパーはどうやって商品を並べているのか。   展示のヒントはそういう誰もが見過ごすようなところにあるのです。   追伸: 上記では美術館の作品についてほとんど触れていませんでしたが、 僕は国立国際はかなり良質で面白い作品を所蔵していると思います。 パブロ・ピカソ、ヴァシリー・カンディンスキー、マルセル・デュシャン、 マックス・エルンスト、(最盛期の?)草間彌生、アンディー・ウォーホル、 ゲルハルト・リヒターなどの王道は見ておいて損はないと思いますし、 それ以外も心をくすぶられるものが多いと感じました。 個人的には中原浩大『LEGO』、エドワード・ルシェ『ZERO』なんかが 結構好みです。 『LEGO』を見る際は、是非とも壁際になっている作品の裏側も チェックして下さい。 ほんのちょっとだけ感動すると思います(笑)   ...more»
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